Des rues animées de Shanghai aux paysages tranquilles de la Chine rurale, le cinéma chinois brosse depuis plus d'un siècle un tableau évocateur de son peuple, de sa culture et de son histoire. Le cinéma chinois, imprégné de riches traditions et en constante évolution, reflète le parcours du pays, les paysages sociétaux et politiques changeants, tout en créant un monde d'imagination et de créativité sur le grand écran.
Cet article n'est pas seulement une exploration de l'évolution cinématographique d'un pays, mais aussi un voyage à travers une histoire qui mêle l'art et la réalité. En plongeant au cœur du cinéma chinois, de l'ère muette de la fin du 19e siècle aux films d'aujourd'hui, nous sommes les témoins d'un récit transformateur qui a joué un rôle essentiel dans le façonnement de l'industrie cinématographique mondiale.
Il est important de comprendre l'évolution du cinéma chinois. Elle permet non seulement de mieux comprendre les nuances culturelles, les changements sociétaux et politiques de la Chine, mais aussi d'apprécier la créativité des artistes, des réalisateurs et des scénaristes qui ont raconté des histoires passionnantes en dépit de l'adversité. Ils ont sans cesse repoussé les limites et redéfini ce qu'est et ce que peut être le cinéma chinois.
La naissance du cinéma chinois : l'ère du muet (1896-1930)
Imaginez une époque où les images en mouvement étaient une nouveauté absolue, une époque où les films étaient une symphonie silencieuse d'ombres et de lumières, racontant des histoires sans paroles. C'est ici que commence le voyage du cinéma chinois. Entre 1896 et 1930, l'ère du silence, l'industrie cinématographique chinoise naissante a commencé à trouver ses marques, naviguant dans les méandres de cette nouvelle forme d'art.
Tout a commencé en 1896, lorsque Auguste Lumiére a projeté une sélection de courts métrages muets à Shanghai, suscitant intrigue et fascination.
Cependant, le premier film chinois n'a vu le jour qu'en 1905, lorsque l'opéra de Pékin La montagne Dingjun (定军山) a été enregistré sur celluloïd. C'est la naissance du cinéma chinois, mais il faut attendre les années 1920 pour qu'une véritable dynamique se mette en place.
Au cours de cette période, la ville de Shanghai s'est imposée comme un centre cinématographique important. Souvent qualifiée de « Hollywood de l'Est », la ville a vu naître le premier studio de cinéma chinois, la Great Wall Film Company (长城画片公司), et une industrie florissante prendre racine. Des studios tels que Mingxing et Tianyi (qui deviendra plus tard Shaw Brothers) commencent à produire une pléthore de films, allant des récits mythologiques aux drames sociaux.
Si les films de cette époque sont muets, ils sont loin d'être tranquilles. Les cinéastes ont trouvé des moyens ingénieux de transmettre des récits et des émotions par le biais d'une narration visuelle, en exploitant le pouvoir du langage corporel, des expressions exagérées et des mises en scène détaillées. Ces chefs-d'œuvre muets ont donné naissance à la première génération de stars du cinéma chinois, telles que Ruan Lingyu et Hu Die, qui ont conquis le cœur du public grâce à leurs interprétations pleines d'émotion.
Simultanément, les conditions sociétales et politiques de la Chine ont commencé à s'infiltrer dans les thèmes de ces films. De la lutte des femmes dans une société patriarcale, telle qu'elle est dépeinte dans L'incendie du monastère du Lotus rouge (火烧红莲寺), aux sombres réalités de la vie urbaine montrées dans L'amour du travailleur (劳工之爱情), les films muets chinois ont commencé à refléter les réalités de l'époque.
Malgré l'absence de dialogues parlés, l'ère du muet a ouvert la voie au cinéma chinois, en établissant les éléments fondamentaux de la narration cinématographique et en créant une plateforme qui allait évoluer et s'adapter à une Chine en pleine mutation. Les films pionniers ont donné naissance à une tradition cinématographique qui, au cours du siècle suivant, a continué à dépeindre, sonder et célébrer les complexités de la société chinoise.
L'émergence du son au cinéma (années 1930-1940)
/strong>À l'approche des années 1930, le cinéma chinois est à l'aube d'une révolution sonore. L'avènement du son a ouvert aux cinéastes un tout nouveau paysage de possibilités de narration. C'est à cette époque que le silence a été rompu et que les personnages du grand écran ont trouvé leur voix.
L'introduction du son a été plus qu'une simple évolution technique ; il s'agissait d'un changement culturel.
En 1931, un film intitulé Sing-Song Girl Red Peony (歌女红牡丹) annonce l'arrivée du son dans le cinéma chinois. Ce mélodrame musical a non seulement conquis le cœur de la population chinoise, mais il a également marqué le début d'une nouvelle ère de narration cinématographique.
Les années 1930 et 1940, également connues sous le nom d'âge d'or du cinéma chinois, ont vu un afflux remarquable de films qui n'étaient pas seulement divertissants, mais qui reflétaient aussi profondément la société et la politique de l'époque. Alors que la Chine était aux prises avec des conflits internes et des agressions extérieures, le cinéma est devenu un moyen d'expression et de résistance.
Le cinéma de cette époque se caractérise par un réalisme cru qui contraste fortement avec la fantaisie et la mythologie de l'ère du muet. Des films comme Les anges du boulevard (马路天使) et La Divine (神女) décrivent les luttes des gens ordinaires dans les turbulences de la guerre, de la pauvreté et des bouleversements sociétaux.
Parallèlement, cette époque a vu naître le « cinéma de défense nationale » en réponse à l'invasion japonaise. Des films comme The Eight Hundred Heroes (八百壮士) proposent des récits patriotiques conçus pour inspirer et rallier le public.
Shanghai est restée l'épicentre du cinéma chinois à cette époque. Cependant, avec l'invasion japonaise et l'occupation de Shanghai qui s'ensuivit, de nombreux cinéastes émigrèrent à Hong Kong et à Chongqing, déclenchant une nouvelle vague de créativité cinématographique dans ces régions.
Des cinéastes tels que Cai Chusheng, Yuan Muzhi et Zheng Junli se sont imposés comme des figures importantes, créant des récits captivants qui ont trouvé un écho auprès du public et ont fait écho aux sentiments de l'époque. Ils sont passés maîtres dans l'art de marier le son et l'image, créant une symphonie de récits aussi captivants que percutants.
De l'aube du cinéma sonore chinois à la veille de la République populaire, nous commençons à percevoir l'immense pouvoir du cinéma dans l'élaboration du dialogue sociétal. Mais avec l'arrivée de la nouvelle ère politique en 1949, le cinéma chinois était prêt à prendre un tournant, reflétant les changements profonds de la société et de la politique chinoises. Les bobines de l'histoire tournaient et le décor était planté pour un nouveau chapitre de l'histoire du cinéma chinois.
L'influence de Mao : le cinéma chinois sous le socialisme (1949-1976)
En 1949, un profond changement s'est opéré en Chine, alors que le pays entrait dans une nouvelle ère sous la direction de Mao Zedong. L'instauration de la République populaire s'est accompagnée d'un changement idéologique radical qui a eu un impact profond sur tous les aspects de la société chinoise, y compris le cinéma.
Sous le régime de Mao, le cinéma était considéré comme un outil essentiel d'éducation politique et idéologique. Un film n'était plus seulement une forme de divertissement, mais un moyen de diffuser les valeurs socialistes et l'esprit révolutionnaire.
Le cinéma de l'ère Mao, connue sous le nom de « Dix-sept ans », a adopté une approche très didactique, créant ce que l'on appelle souvent des films « socialistes réalistes ».
Cette période a vu une augmentation de la production de films à thème révolutionnaire tels que La fille aux cheveux blancs (白毛女) et Dans les monts Shanggan (上甘岭). Ces films glorifient la paysannerie, défendent la lutte prolétarienne et présentent le parti communiste comme le sauveur ultime du peuple chinois. Les récits étaient principalement en noir et blanc, avec des héros et des méchants bien définis, reflétant l'éthique politique de l'époque.
Bien que ces films aient été efficaces dans la transmission du message idéologique qu'ils visaient, ils manquaient souvent de la complexité et de la nuance qui caractérisaient les époques antérieures. Cependant, ils ont joué un rôle crucial dans le façonnement du paysage culturel de la Chine au cours de ces années, en ancrant les principes du réalisme socialiste au cœur du cinéma chinois.
Cette époque a vu la création de l'Académie du film de Pékin en 1956, qui deviendra plus tard le lieu de formation de certains des cinéastes contemporains les plus influents de Chine.
Alors que l'ère Mao se poursuit, le climat politique s'intensifie avec le début de la révolution culturelle en 1966. Le cinéma pendant la révolution culturelle se caractérise par la production d'une série de films connus sous le nom de « opéras modèles révolutionnaires ». Ces films ont renforcé la fonction du cinéma en tant qu'outil de propagande politique et de mobilisation des masses.
Cependant, le cinéma chinois était sur le point de connaître un dégel important. Avec la fin de la révolution culturelle et la mort de Mao en 1976, le décor était planté pour une renaissance artistique, qui remettrait en question les normes narratives établies à l'époque de Mao et ferait émerger une nouvelle génération de cinéastes à la voix unique. La quatrième génération était sur le point de s'élever, annonçant une nouvelle ère pour le cinéma chinois.
Le réveil de la révolution : la quatrième génération (1976-1990)
Au lendemain de la révolution culturelle, alors que la Chine se remettait lentement d'une décennie de bouleversements sociopolitiques, une nouvelle vague de talents cinématographiques a commencé à apparaître. Connus sous le nom de « quatrième génération », ces cinéastes étaient pour la plupart des diplômés de l'Académie du film de Pékin qui s'étaient inscrits après la réouverture de l'Académie en 1978. Contrairement à leurs prédécesseurs, ils ont apporté une perspective nouvelle à la réalisation de films, marquant une nette rupture avec l'ère Mao qui a précédé.
Les cinéastes de la quatrième génération, tels que Zhang Yimou, Chen Kaige et Tian Zhuangzhuang, sont devenus les précurseurs du changement dans le cinéma chinois à la fin des années 1970 et dans les années 1980.
Leurs films se caractérisent par un retour à la narration qui dépeint l'aspect humaniste de la vie et de la culture chinoises, en s'éloignant des récits ouvertement politiques du passé.
Leurs récits plongent dans la vie quotidienne de Chinois ordinaires, souvent sur fond d'événements historiques. Des films comme Terre jaune (黄土地), Le sorgho rouge (红高粱) et Adieu ma concubine (霸王別姬) ont magistralement dépeint les luttes personnelles dans des contextes sociopolitiques plus larges, créant un langage cinématographique nuancé et profond qui a captivé le public tant national qu'international.
Simultanément, le monde a eu un premier aperçu du cinéma chinois à travers les films de kung-fu de Hong Kong. Les films emblématiques de Bruce Lee, tels que Opération Dragon (龍爭虎鬥), ont trouvé un public mondial, initiant l'Occident au cinéma et à la culture chinoise.
L'ère de la quatrième génération est également connue comme la période de la « Renaissance du cinéma chinois » en raison de l'explosion de la créativité et de la reconnaissance mondiale dont a bénéficié le cinéma chinois. Ces films ont remporté de nombreux prix lors de prestigieux festivals internationaux, plaçant le cinéma chinois sur la carte du monde.
Dans leur sillage, ces cinéastes ont laissé une marque indélébile sur le cinéma chinois, prouvant que les films pouvaient être à la fois artistiques et pertinents d'un point de vue social. Ils ont ouvert la voie à la nouvelle génération de cinéastes, les incitant à repousser les limites de la narration et du récit visuel.
À l'aube des années 1990, le cinéma chinois a commencé à emprunter une nouvelle voie, intégrant des récits culturels locaux dans un univers cinématographique global plus global. Cette période marque l'émergence de la cinquième génération de cinéastes et, avec elle, une nouvelle ère du cinéma chinois qui a commencé à faire entendre une voix distincte et influente sur la scène cinématographique mondiale.
Hong Kong et l'essor du cinéma Kung Fu
Alors que le cinéma chinois connaissait sa propre renaissance sur le continent à la fin des années 70 et dans les années 80, un autre changement culturel s'opérait à Hong Kong. L'île, avec son mélange culturel unique d'Orient et d'Occident, s'est imposée comme un acteur majeur du paysage cinématographique, produisant des films qui allaient captiver les spectateurs du monde entier.
Parmi la myriade de genres produits par le cinéma de Hong Kong, c'est l'essor des films de kung-fu qui a attiré l'attention du monde entier.
Plus qu'un simple divertissement rempli d'action, ces films sont devenus des ambassadeurs culturels, faisant découvrir au monde les traditions et la philosophie des arts martiaux chinois.
Avec des stars comme Bruce Lee, Jackie Chan et Jet Li en tête, le cinéma de kung-fu s'est frayé un chemin dans la culture populaire mondiale. Des films tels que Opération Dragon (龍爭虎鬥), Le Maître chinois (醉拳) et Il était une fois en Chine (黃飛鴻) ne se contentent pas de présenter des séquences d'arts martiaux, mais transmettent également la sagesse philosophique et les valeurs culturelles inhérentes à ces pratiques.
Des réalisateurs comme Lau Kar-Leung et Tsui Hark ont fait progresser le cinéma de kung-fu en l'élevant vers une forme d'expression artistique. Leurs films combinent souvent des éléments de comédie, de drame et même d'horreur avec le kung-fu, créant ainsi un mélange unique de genres qui est devenu synonyme de cinéma hongkongais.
Outre le kung-fu, le cinéma de Hong Kong était connu pour sa grande diversité de genres, notamment les films de triades comme Infernal Affairs (无间道), les comédies romantiques comme Chungking Express (重慶森林) et les films d'horreur comme Mr. Vampire (殭屍先生). Cette diversité a fait du cinéma de Hong Kong un acteur important de la perception de la culture chinoise dans le monde.
L'impact de Hong Kong et de son cinéma de kung-fu a été si profond qu'il n'a pas seulement fait découvrir le cinéma chinois à l'Occident, mais qu'il a également influencé le cinéma occidental. L'esthétique des films de kung-fu a été empruntée par de nombreuses productions hollywoodiennes et a inspiré une génération de cinéastes occidentaux.
La cinquième génération du cinéma chinois et au-delà (1990 à aujourd'hui)
Alors que le cinéma chinois entrait dans les années 1990, une nouvelle vague de cinéastes, souvent appelée la « cinquième génération », s'est retrouvée sous les feux de la rampe. Diplômés de l'Académie du film de Pékin dans les années 1980, des cinéastes tels que Zhang Yimou, Chen Kaige et Tian Zhuangzhuang, avait déjà commencé à faire parler d'elle au cours de la décennie précédente. Mais c'est dans les années 90 et les années suivantes que leur impact a véritablement commencé à se faire sentir à l'échelle mondiale.
La cinquième génération a apporté une perspective unique au cinéma chinois. Contrairement à leurs prédécesseurs, leurs films explorent souvent les traumatismes historiques et les problèmes de société du pays à travers un prisme plus personnel et humaniste.
Avec un style narratif visuellement frappant et symbolique, ils ont attiré l'attention internationale et le cinéma chinois a commencé à figurer régulièrement dans les festivals de films prestigieux du monde entier.
Les films Épouses et Concubines (大红灯笼高高挂) de Zhang Yimou et Adieu, ma concubine (霸王别姬) de Chen Kaige ont non seulement remporté les plus hautes récompenses à Cannes, mais ont également pénétré les box-offices occidentaux, témoignant de la reconnaissance internationale croissante et de la viabilité commerciale du cinéma chinois. Ces films ont magnifiquement capturé l'essence historique et culturelle de la Chine tout en racontant des histoires universelles d'amour, de perte et de lutte qui ont trouvé un écho auprès du public mondial.
Pendant ce temps, à l'aube du nouveau millénaire, la « sixième génération » de cinéastes a commencé à émerger. Des réalisateurs comme Jia Zhangke, Wang Xiaoshuai et Lou Ye, connus pour leur cinéma de guérilla, se sont intéressés à la Chine contemporaine. Leurs films décrivent souvent les luttes des marginaux et l'urbanisation rapide de la Chine moderne.
Parallèlement, le cinéma commercial a commencé à prospérer en Chine continentale. Des réalisateurs comme Feng Xiaogang et Zhang Yimou ont commencé à créer des films à gros budget destinés au marché intérieur en pleine expansion. Des succès au box-office comme Hero (英雄), Le Secret des poignards volants (十面埋伏) et Chasseur de monstres (捉妖记) ou encore The Wandering Earth (流浪地球) ont démontré un mélange de viabilité commerciale et de sens artistique, ouvrant la voie à une nouvelle ère de superproductions cinématographiques chinoises.
Aujourd'hui, le cinéma chinois est un pilier important de l'industrie cinématographique mondiale. Avec la plus grande population du monde et une classe moyenne en pleine expansion, la Chine est devenue un marché crucial pour les cinéastes nationaux et internationaux. Alors que le cinéma chinois continue d'évoluer, il est clair que le voyage qu'il a entrepris depuis ses humbles débuts à l'ère du silence jusqu'à sa stature mondiale actuelle n'est rien de moins qu'une épopée cinématographique.
En conclusion, l'histoire du cinéma chinois est un miroir qui reflète les changements sociaux, politiques et culturels du pays, une plateforme d'expression de la dissidence, un moyen d'échange culturel et un véhicule de narration qui transcende les frontières géographiques. Depuis les spectacles muets des années 1920, le réalisme cru de l'âge d'or, les récits idéologiques de l'ère Mao, les drames humanistes de la quatrième génération et les superproductions mondiales d'aujourd'hui, le cinéma chinois n'a cessé d'évoluer, de s'adapter et de s'épanouir.
L'impact du cinéma chinois dépasse les frontières de la Chine. Les films de kung-fu de Hong Kong ont influencé le genre de l'action dans le monde entier, tandis que les films d'art et d'essai de réalisateurs tels que Zhang Yimou, Chen Kaige et Jia Zhangke ont inspiré les cinéastes du monde entier. Aujourd'hui, l'influence du cinéma chinois est plus prononcée que jamais, la Chine étant sur le point de devenir le plus grand marché cinématographique du monde.
Au fond, le cinéma est un moyen de raconter des histoires, et le cinéma chinois nous a montré que les histoires, d'où qu'elles viennent, ont le pouvoir de toucher les cœurs et de changer les esprits dans le monde entier.
